EL DESIERTO, EN EL TEOREMA DE PIER PAOLO PASOLINI

En su película Teorema, Pasolini nos lleva de visita a dos desiertos. Uno corresponde a la vida de los personajes, familia burguesa, y el otro, es el espacio árido, infinito, habitado por las dunas. En toda la película el desierto, como significante, sirve de punto de referencia para poder descifrar y comprender lo que sucede a cada miembro de esa familia cuando se les atraviesa, en la vida, un otro que les enfrenta con sus deseos, sus carencias, su vacío, y por ende, con la fragilidad, en su  realidad.

La imagen del desierto resulta ser el lugar hacia donde apunta y enfoca, sin tregua, la cámara; este desierto simbólico y real, existe en el interior y afuera de los personajes, sirve para recordar al espectador dónde se encuentran éstos, y hacia dónde se dirigen. El desierto está ligado íntimamente al cristianismo; nos recuerda la cuaresma; el tiempo y el lugar donde permaneció Jesús buscando soledad, la paz necesaria, para su comunicación con Dios. Jesús fue al desierto en busca de Dios, pero, también, en ese lugar se encontró con Satanás; quien consideró, al desierto, lugar propicio para tentarlo.

Sin duda, el desierto es la metáfora perfecta para Teorema. Es idóneo, porque tiene todos los elementos,  la capacidad para demostrar cuál es la impotencia, la fragilidad, y la locura a la que se puede llegar cuando se permanece en medio de esa inmensidad. El desierto, carismático, sensual, atrae; pero, expone las carencias. Al desierto se va en busca de algo, o de alguien. Es blando, se metamorfosea con el paso del viento, por eso, justamente, puede terminar convertido en una boca gigante capaz de tragar los restos, los residuos, lo que queda de uno. Replica los gritos de auxilio que nadie capta; como aquel, impotente, que lanza en la inmensidad, desnudo, revestido de ofrenda, el padre.

El huésped, que permiten que atraviese el muro, las rejas protectoras, la gran puerta y se posesiona de la casa, también toma los cuerpos de los que la habitan. A cada uno, cuando es “tocado” por ese joven, seductor, de mirada celeste, del tono del cielo, les impregna vida; pero, también les deja una dosis de frustración. Ya nadie puede vivir del mismo modo, como antes, de haberlo conocido. Sólo Pietro, el hijo, descubre para su angustia una salida diferente a la autodestrucción: aprende cómo expresarla; aprovecha su experiencia y se “salva” gracias al arte.

La presencia del huésped llena los vacios existenciales y los espacios de la casa. Todos quedan marcados por la huella de su presencia. Hasta sus ropas, las fotografías, el espacio del jardín, ante la mirada femenina, toman vida, remiten al cuerpo del joven visitante. El haber sido tocado, el contacto piel con piel; haber cedido al deseo de entregarse, ansiando también el otro cuerpo, bastará. Será suficiente para poner en evidencia el desierto interior en el que vivía cada quien: en soledad, aislado, y sin mayor comunicación. Ninguno de los personajes saldrá indemne luego del contacto con ese ser seductor, de la mirada profunda y tierna; quien representa y conoce sus más íntimos deseos. Él, es el único que sabe complacerlos y colmarlos. Por eso, luego de su partida cada quien lo buscará en los lugares más insólitos: en otros cuerpos jóvenes, en el sacrificio, ayuno, en la muerte, en la religión o en el desierto, a dónde fue Jesús en busca de Dios. Nunca sabremos quién logra hallarlo.

Esa familia, vivía vaciada de palabras: se comunicaban con el lenguaje corporal, relacionándose sólo con la mirada. Nadie compartió la relación que mantenían con el visitante, ninguno contó al otro sobre ese contacto físico, erótico, y sexual que mantenía con el huésped.  Pero, a partir del vacío, de la ausencia, todos quedan problematizados, angustiados, y eso, les impulsa a expresar sus sentimientos; al menos con los espectadores. Utilizan las palabras para revelar, para que no quepan dudas, del estado en que quedaron. Lo hacen a través de una confidencia, reflexionada. Y el espectador no sólo es el testigo ocular de las imágenes que revelan el cómo se sienten, y cómo reaccionan ante la situación de pérdida, de duelo, sino también pasa a escucharlos; desde ese momento.

 

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SOBRE «BLACK SWAN»

Una pregunta ronda en mi mente, ¿qué habría opinado Tchaikovski, si hubiese visto la película Black Swan de Darren Aronofsky? ¿Le habría parecido original la tozudez del director de la compañía de ballet de hacer que una misma bailarina representara a Odette y a Odile? Habría justificado en Black Swan todo ese despliegue de tomas, tiempo y detalle dedicado a la psiquis, introyección, de la bailarina principal. En definitiva, ¿le habría gustado? Nunca lo sabré. Lo que sí sé es que nos guste o no la película, Natalie Portman merece el Óscar que le concedieron. Y Black Swan las cinco nominaciones a ese premio, como los recibidos.

En un ambiente lleno de espejos, en cada rincón del departamento hay más de uno. Abundan hasta en la sala de ensayos, camerinos, y en el teatro. Las cámaras los enfocan con detenimiento y en detalle, me imagino que están en abundancia para recrear la imagen de un lago. Rodeado de esos espejos, Aronofsky nos representa una historia basada en el “Lago de los cisnes”, de Tchaikovski. Por eso, resulta importante no olvidar remontarse a la historia original. Recordar que en “El lago de los cisnes” hay un mago cuya presencia es importante. Tiene el poder de transformar a la bella Odette, y a otras jóvenes, en cisnes. Hay que recordar, también, que Sigfrido, hipnotizado por ese mago, cree ver en Odile a Odette. Lo que estaría justificando en el Black Swan de Aronofdky, la decisión del director de la compañía de ballet,  de que ambos roles sean interpretados por una sola bailarina.

En la versión original el mago transforma a Odette en cisne, así, el director de la compañía de ballet de Black Swan hará todo, se valdrá hasta de medios poco convencionales, para convertir al cisne blanco, que es Nina, en el cisne negro, que su pieza requiere. Sólo transformándola en la otra, logrará que la destacada bailarina del cisne blanco pueda danzar como lo harían ambos personajes. Pero el “mago”, rol que de alguna manera desempeña Vincent Cassel, no lo tendrá fácil, como lo tiene el mago de Tchaikovski. Nina, no se transformará en ese otro cisne con facilidad. Ella, quién por su práctica rutinaria ya desempeña el papel de cisne blanco a la perfección, encontrará en su casa, en la madre, y en ella misma, una total resistencia. Sólo sobreponiéndose a esa situación, y con  la ayuda de la rivalidad imaginaria, o no, de Lili, Mila Kunis, lo podrá lograr.

Black Swan es una película que no puede dejar de verse. Uno queda no sólo encantado con el último baile, sino que éste pasa a formar parte de los buenos recuerdos con el que contribuye el buen cine. En general, se aplaude las actuaciones de todo el elenco. El rol de la madre es impresionante. Termina la película y uno se pregunta cuánto de lo real nos cuentan, y cuánto de la imaginación de la protagonista. Uno se cuestiona si es normal tener esos niveles de ansiedad ante la presencia de un nuevo reto que se debe cumplir, ante la posibilidad de lograr el papel que se desea con toda el alma. O frente a la presencia de un rival que desea, y que hará todo, por alcanzarlo o arrebatárnoslo. Tal vez preguntarse, simplemente, cómo puede una persona, al vivir al límite, afrontando siempre la competencia, presionada por las exigencias de realizar un trabajo perfecto al 100%, conservar la cordura.

 

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Wit: Entre la vida y la muerte, apenas una coma

El monólogo es el recurso que utiliza Vivian, profesora de Poesía del siglo XVII, para contarnos su vida, y gracias al recorrido de su memoria, nos dará a conocer también sobre su dedicación como profesional en el campo de la literatura, así como su preferencia por los Sonetos Sagrados de John Donne. De esa misma manera seremos testigos de su agonía,  finalmente de su muerte. Muerte que se hizo anunciar en el mismo instante en que su médico le confirma que tiene un cáncer ovárico, insidioso, en fase cuatro; y que no es posible una fase cinco.

Porque curarla ya no era posible, sus médicos, le plantearon el reto de convertirla en “objeto” de investigación. Vivian verá en estos profesionales cómo se trasluce la misma pasión, la misma fuerza que ella ponía en sus trabajos de investigación literaria. Habituada a tomar a la muerte como una palabra del campo de la poesía, con mucho respeto, pero como palabra poética en fin,  y a la que no le ponía signos de exclamación; terminará descubriendo, a raíz de su cáncer, el rol preponderante que tiene esta palabra en la realidad de la vida misma.  Aceptar el reto de ser “objeto” de experimento le brindaba la esperanza de que su cáncer, en algún momento, pudiera dar marcha atrás; pero pronto nos enteramos que la enfermedad desobediente, nunca escuchará ni remotamente las insinuaciones de retirarse, ni mucho menos de desaparecer. A pesar de lo drástico de su tratamiento, el cáncer irá tomando más fuerzas, que ocasionará la degradación física de Vivian; y expondrá su condición de solitud. Escena que servirá como un recordatorio a los espectadores de su drama, de que se deben valorar y conservar las relaciones con los demás.

Las palabras tienen un rol preponderante en esta película. Todo gira en base a ellas. Éstas dieron sentido a la vida de Vivian, y en el momento de su muerte, dan sentido a su tragedia personal. Ella es tratada con la misma indiferencia con la que se relacionó con los demás; recibe lo que dio. Como mujer independiente pasará su enfermedad como solía vivir, en solitario. La profesora amante de la lírica y de la poesía dramática de Donne, nos mirará directamente a los ojos para hablarnos con metáforas, con ironía, sin perder su sentido del humor; burlándose de la situación,  de su impotencia, de la situación a la que la llevó su enfermedad. Ágil, con la facilidad de palabras de una verdadera maga, nos introducirá en su mente para mostrarnos sus recuerdos, todo aquello que la ayuda a vivir, y a sobrellevar de la mejor manera su propia tragedia; a soportar la humillación, y el dolor; en un mundo de personas sin sentimientos.

Una paleta de helado, brindada por la única enfermera sensible a su situación, contendrá suficiente dulce como para ayudarla a pasar el trago amargo de la última decisión que deberá tomar con respecto a su vida. Escoge no ser reanimada en caso de un paro cardiaco. Finalmente, también rechaza a  John Donne y a sus Sonetos Sagrados, que fueron los que le sirvieron de sosiego a su espíritu sensible, y que dieron sentido a su vida. Hasta en el último segundo de vida Vivian sabrá dirigir todas sus emociones y su dolor, al campo intelectual. Al final no quiere escuchar a John Donne. Antes de partir prefiere escuchar el cuento “El conejito fugitivo”. Quiere partir escuchando la “alegoría del alma”. Las palabras que se relacionan con su infancia, con la esperanza. Vivian muere también como ha vivido, rodeada de imágenes, de palabras, y de libros. Pero el recorrido de su memoria no para con su muerte física, ésta tiene la fuerza de un huracán, a tal punto de traer a John Donne hasta nuestro siglo. Presentárnoslo para que conozcamos sus Sonetos Sagrados.

 

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