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Archive for the ‘ARTE’ Category

Picasso y Marie-Thérèse Walter

Yo he nacido de un padre blanco y de un pequeño vaso de agua de vida andaluza yo he nacido de una madre hija de una hija de quince años nacida en Málaga en los Percheles el hermoso toro que me engendra…

Picasso se enfrentó a la escritura como una forma de terapia que le permitía expresarse de una forma diferente. A través de la poesía dejaba escapar su mundo interior, lejos de las representaciones e imágenes pictóricas a las que estaba habituado. La escritura se le presentó como una alternativa en un momento de estancamiento creativo por el que atravesaba su pintura, crisis provocada no solo por sus dilemas emocionales sino también por el ambiente mundial en ese momento reinaba la incertidumbre y se anunciaba una guerra.

Cuando Picasso comenzó a escribir, corría el año 1935. Tenía cincuenta y cuatro años, se estaba divorciando de la bailarina Olga Koklova y  Marie-Thérèse Walter, su amante, estaba embarazada. Por ciertos problemas por su divorcio, los abogados de Olga le habían obligado a cerrar su taller parisiense, se dirigió al castillo de Boisgeloup donde tenía el taller donde trabajaba sus esculturas en yeso, el cual era, además, el lugar de sus encuentros con Marie-Thérèse. Ahí, algo deprimido, pero rodeado de la belleza natural y de arte escribió, el que se supone, su primer poema.

Si bien es cierto la escritura fue su vía de escape a sus problemas personales, también es cierto que consideraba a la poesía una respuesta vivencial, dijo: “Creo que mi obra como escritor es tan extensa como la de pintor. Materialmente dediqué el mismo tiempo a ambas actividades. Quizá algún día, cuando yo desaparezca, apareceré descrito en los diccionarios de esta manera. Pablo Ruiz Picasso: poeta y autor dramático español. Se conservan de él algunas pinturas”.

En su poesía Picasso refleja su forma de vida, sus pensamientos, su sentir y sus intereses; en ella se vislumbran imágenes visuales que nos recuerdan a su temática pictórica. Los instantes que vive y le afectan son representados con palabras emotivas, sencillas, en un lenguaje cotidiano, pero no carentes de figuras literarias. Sus versos nos descubren la voz lírica del poeta. Éstas muestran dónde se desenvuelve, cómo es la naturaleza que prefiere: una plena en la cual está presente el mar con sus olas, el sol, la mirada, el instante que queda, la boca, la risa, las manos, hasta la sombra y la mantis religiosa.

Picasso también escribió prosa poética:

4 de noviembre de 1935 [II] espejo en tu marco de corcho – tirado al mar entre las olas – no ves sólo el relámpago – el cielo – y las nubes – con tu boca abierta dispuesta – a tragarse el sol – mas si un pájaro pasa – y por un instante vive en tu mirada – al instante se queda sin ojos – caídos al mar – ciego – y qué carcajadas – en ese preciso momento – brotan de las olas

 

[septiembre de] 1936 si el enternecedor recuerdo del cristal roto en su ojo no diera la hora en las campanadas que perfuman el azul tan cansado de amar del vestido que susurra que lo envuelve el sol puede en cualquier momento estallar en su mano pero esconde las garras y se duerme a la sombra que proyecta la mantis religiosa mordisqueando una hostia mas si la curva que agita la canción colgada en la punta del anzuelo se enrosca y muerde en su centro el cuchillo que la seduce y colorea y el ramo de estrellas de mar grita su desamparo el pisto trágico del ballet de moscas sobre la cortina de llamas que hierve en el borde de la ventana

Y en ese mismo, 1935, también escribió tres obras de teatro. La más conocida:  “El deseo atrapado por la cola”.

Bibliografía:

‘Textos españoles (1894-1968)’ recoge 39 piezas recopiladas por Rafael Inglada

 

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MINOTAURO

 

La belleza es el límite de lo trágico, una barrera; punto donde la cosa inaprehensible nos vierte su eutanasia.

Lacan

 

Buscando datos sobre la relación de Picasso con Marie Thérése Walther me encontré con el cuadro Nude, Green leaves and Bust, y descubrí que ella fue la modelo. Éste se subastó en 106.5 millones de dólares lo que convierte a Nude, Green leaves and Bust en el cuadro más caro vendido, de Picasso.

Picasso conoce a Marie Théresé Walter, una joven deportista de diecisiete años, cuando él estaba por cumplir los cincuenta, y se encontraba enredado en una relación marital conflictiva de la que no podía escapar.

Era un periodo en el que su arte se había convertido en una válvula de escape, vía por la cual manifestaba todo su malestar contra Olga que no cedía al divorcio, ni llegaba a un arreglo en la división de sus bienes. Y esa joven, Marie Théresé, representó la paz y el cambio que este artista buscaba.

Su relación con Marie Théresé comienza en París en 1927 y termina a finales de 1935 cuando el poeta Paul Eluard le presenta a Dora Maar, diciéndole: “Ella es la mujer de la que te hablé”. Que coincidió, justo, luego de que Marie Théresé  se convirtiera en madre de una niña, a la que la llaman Maya.

Si por influencia de Olga, Picasso, regresó al Clasicismo y se acercó al surrealismo, con Marie Théresé volvió a cambiar su lenguaje artístico; se alejó del  movimiento surrealista, y de las manifestaciones cubistas duras, agresivas o crispadas. Durante este periodo quedarán olvidadas sus representaciones de la boca-vagina dentada, y de las mantis religiosas; donde dejó plasmado todo su desprecio por Olga, sentimiento que resultaba ser una mezcla de deseo, destrucción y, simbólicamente, miedo a la castración.

Sus siguientes trabajos muestran mucha vitalidad; tenderán a las formas sensuales, tiernas, eróticas, redondas y suaves. Con ella trabajará básicamente el desnudo. El erotismo será su leit motif, y Marie Théresé su fuente de inspiración. Su alejamiento con el surrealismo, y con el expresionismo, no significó una ruptura con esos movimientos, solo se alejó, momentáneamente, de las expresiones agresivas. Luego incorporará a sus trabajos del cubismo sintético temas surrealistas, fauvista, y del expresionismo.

De Maríe Thérese siguió necesitando, como de las otras que amó; a la mujer y su cuerpo. Marie Théresé se aproximó al artista con algo adicional. Como era menor de edad significó en la vida de Picasso lo prohibido. Y como, además, seguía conviviendo con Olga, aún estaba casado con ella, Marie Théresé resultaba alguien doblemente prohibido.

Picasso se tuvo que ingeniar miles de mañas para encontrarse con ella; desde visitarla en las noches en el campamento, donde trabajaba con niños, hasta comprarle un departamento frente a su propia casa. Disfrazarla de hombre y tenerla como su chofer, y alojarla en algún hotel cercano al de él; cosa que sucedía muy seguido cuando viajaba con Olga. Tuvo, además, que enfrentar a la sociedad que le criticaba duramente su comportamiento.

En este periodo trabaja con intensidad, y en mayor escala, el tema del Minotauro, la minotauromaquia, donde mezcla los temas del minotauro con las corridas de toros. Muchos consideran al minotauro el alter ego de Picasso; si eso es verdad, su arte le significó la oportunidad de ponerse, así mismo, como otro.

Marie Théresé es para Picasso la aventura, la trasgresión; le llena de entusiasmo y vitalidad a tal punto que se le escucha repetir a menudo que “Todo Hombre tiene la edad de la mujer que ama”. También, es el periodo de su amistad con Miró y corresponde al  tiempo cuando comenzó con la escultura en mayor escala; trabajo que realizó con el escultor Julio Gonzales.

Unos años antes Picasso había comprado el “Chateau” Boisgeloup. Ahí, junto a Julio Gonzales, trabajaba en esculturas, con yerro forjado. Ese Chateau se convirtió en el lugar de los encuentros, donde Marie Théresé posaba desnuda.

 

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Según Lacan, esta frase de Picasso denota certeza, un dominio de lo que busca, y dónde lo encuentra. Según él, todo artista es tal si va más allá de sus padres; de sus maestros. Significa que el artista debe inventar,  no imitar algo ya existente. Esto, nada tiene que ver con el valor estético de su obra, o de su éxito. El artista, según Lacan, a nivel estructural de su trabajo busca nominarse; lograr o intentar, al menos, el reconocimiento cultural de sus semejantes. Y en lo simbólico, dejar sus marcas significantes.

Picasso, fue el creador del cubismo. Su frase, “No busco, encuentro”, cobra mayor sentido cuando se observa su producción única,  prolífera, y se recuerda la forma cómo relacionó a la mujer con su trabajo. Toda su creatividad implicó salirse de lo pre establecido,  producir una ruptura, con la cual logró crear una nueva forma de expresión artística, e ir más allá de sus maestros. Al desafiar, trasgredir las reglas establecidas, fue tomado como un subversivo al que había que mirar desde lo no convencional.

La relación que mantuvo Picasso con las mujeres fue controversial. Hay algunos que opinan que exigía que fueran unas diosas para encargarse de convertirlas en simples felpudos, en adornos que luego le estorbaban y no sabía qué hacer con ellas. Las tomaba como modelos para fracturarlas en sus cuadros, como en la vida real. Por otro lado, están los que consideran que fueron el pilar que levantaron a Picasso hasta el sitial en el que se encuentra, a cambio las catapultó hasta la inmortalidad. Todas aquellas mujeres con las que se relacionó proveyeron al artista un motivo para expresarse, fueron una necesidad imperiosa en su arte, como en su vida. Y todas, de una manera u otra, contribuyeron a hacer del arte picassiano, el cubista, lo que llegó a ser, y es.

Picasso tuvo muchas mujeres en su vida, dos sus esposas, muchas modelos y amantes. Llegó a afirmar que para amar a alguna mujer le fue suficiente con unas horas, e incluso unos minutos, pero que le resultó mucho más largo y trabajoso el desamor. Daba la impresión de que las adoraba, las amaba hasta que se agotaba en ellas la veta que originaba su acto creativo; hasta que dejaban de ser motivo a representar en su arte. Apenas intuía que su trabajo podía caer en lo repetitivo, o, cuando consideraba que no quedaba nada más artísticamente por extraer, las dejaba a un lado. O, sucedía lo que pasó con Olga Khokhova, su primera esposa, con quien explotó la veta creativa, desde otro ángulo

Mencionar a Olga es hablar de un cambio más en la vida de Picasso, no solo en su estado civil sino también a nivel de su arte. Picasso después de su ruptura con Fernanda Olivier y la muerte de Eva Gouel, la jolie, pasa la guerra y su duelo en Roma, dedicado al ballet y el teatro. Este acontecimiento resume el principio de su relación con la bailarina Olga Khokhova, quien se convertiría en su primera esposa.

Es conocido que Picasso cambiaba de estilo cada vez que se interesaba en una mujer, y Olga no fue la excepción. Su creación se caracterizaba, en ese momento, por una doble fórmula interpretativa, aún se manifestaba con el lenguaje cubista, pero por influencia de Olga estaba inclinándose a regresar al Clasicismo; su creación artística, del momento, se bifurcaba entre esas dos tendencias.

Olga, mujer rica, sobrina del zar, introduce a Picasso en el mundo de la aristocracia. Se casan el 12 de julio de 1918, en Paris, en una iglesia rusa, por el rito ortodoxo. Tres años después les nace su primer hijo, y coincidentemente surgen también los conflictos; le llegó el punto final al período idílico y comenzaron las discordias. Picasso, cansado de su vida con Olga, se resiste a seguir dentro de ese mundo de fiestas y reuniones sofisticadas,  del círculo que prefería Olga, gente aristócrata y refinada, regresa a las calles en busca de los artistas del momento, del circo, de las corridas de toros, la bohemia de los cafés, y los restaurantes; regresa a su mundo, en busca de todas las cosas que estuvieron ligadas a su vida pasada. En el arte, deja de lado el Clasicismo y el Cubismo para inclinarse por el Surrealismo; por el deseo de retratar lo infinito de su mundo interior; de su inconsciente.  Participa con los surrealistas en una exposición,  entabla conversaciones y se contacta con los demás movimientos del momento.

Este período coincide con la mayor crisis de la pareja. Olga se niega a dejarlo libre, a concederle el divorcio y a la repartición de los bienes. Picasso, sintiéndose atado a una relación conflictiva se desquita con el lienzo, crea cuadros con representaciones y expresiones violentas, criaturas deformes, presas de rabia. Sus pinturas reflejan todo lo que vivía y sentía en ese momento. Es así cómo surge la Mantis religiosa.

La Mantis religiosa, figura totémica, está ligada tanto el erotismo como al hambre. En este animal se da la transición del erotismo al hambre, viceversa, vía de la preferencia. La hembra además de querer copular con el macho, le atrae algo más de él, algo en especial, la cabeza, que desea devorar. A pesar de intuir el destino que pesa sobre él está abierto a convertirse en el objeto de preferencia de la hembra. A pesar de su temor de ser devorado el macho se entrega a la hembra.

En ese momento crucial de sus vidas, Picasso, representó a Olga con la hembra de ese animal que  ilustra una situación en la que el otro se vuelve radicalmente otro. El macho de esa especie, en su relación con la hembra, cumple ese doble rol: falo y alimento. El erotismo de la hembra, su deseo voraz de alimento y sexo representa la radicalidad de esa alteridad; el deseo del otro.

En su seminario 11, Jacques Lacan dice, que en La Mantis religiosa, en su relación  macho- hembra, está presente la angustia. Del lado de la hembra, la angustia que produce la idea de querer saciar su deseo voraz por sexo y alimento.  Y del lado del macho, de saber cuál será su fin. Si existe un macho de esa especie, ese, nos dice, es un macho sin ninguna experiencia sexual, porque la hembra es, para esta especie, una amenaza para su cuerpo y para su existir.

La Mantis Religiosa es un animal asociado a un deseo devorador, a la destrucción y la muerte. Su canibalismo está articulado a la sexualidad. La hembra goza más allá del acto mismo del erotismo y el procrear. Según Lacan, la presencia de este animal nos permite interrogarnos, cuestionarnos sobre nuestra relación con el mundo y con el otro, en función de nuestro cuerpo. Porque este animal, resulta un reflejo monstruoso que puede mitigar nuestros propios demonios.

Picasso, supo aprovecharse de La Mantis religiosa para mostrar su situación con Olga. Pintó su estado anímico y representó en su pintura la significación tanto como la imagen que proyecta la hembra de esta especie. Por su lado,  George Bataille, considera que  Picasso supo descubrir el sentimiento de la violencia elemental que inflama cada manifestación erótica. Él, considera que el terreno del erotismo es el terreno de la violencia.

No se puede negar que este artista, durante toda su vida, transitó por ese terreno de lo erótico. Se dejó subyugar por la mujer, sin que ésta fuera su objetivo, pero sí su estimulante, su energía creadora. En la historia no existe otro artista que haya dedicado más tiempo, o su vida, a representar tanto y de tantas diversas formas a la mujer. Y que haya permanecido, hasta el último segundo de su vida, fascinado, trabajando en ella.

 

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PICASSO Y SUS MUJERES

El trabajo de investigación se llama Picasso y sus mujeres.  Se cuenta tanto a las mujeres relacionadas sentimentalmente con el artista, que finalmente sirvieron como modelos, aquellas mujeres amadas que sólo representó en sus obras, como también aquellas que fueron únicamente sus modelos.

Para esta investigación se comenzó delimitando dos puntos de referencia, en base a sus dos trabajos más conocidos: Las señoritas de Avignón y el Guernica. Y como el cartel es una herramienta de trabajo del psicoanálisis, se intentó buscar su relación con el arte a través de lo vertido  por Jaques Lacan en el seminario 11 y en el 7.

Todo trabajo incluye un título y una cita, ya sea de Picasso, de la mujer involucrada, o de Lacan. Y para seguir los pasos de las mujeres en la vida del artista, además de tomar como puntos de referencia esos dos cuadros mencionados, se dejó que surgieran los temas también un poco por la atracción visual de un cuadro o por simple intuición.

Llamaré a esta presentación: LA FUNCIÓN DE LO BELLO

“Hay cierta relación de lo bello con el deseo. Más esta relación es singular ya que es ambigua, no parece que en todo campo, no podamos descubrir un término, la categoría, el registro de lo bello”.

                                                                                                      Jaques Lacan

                                                                                                             Seminario 7; clase 18

Es innegable; las huellas que dejó Picasso en las mujeres a las que trató son imborrables. Influyó en ellas por siempre, hasta en aquellas que no se involucraron sentimentalmente con él.

Siempre se afirma que se debe separar la vida del artista de su obra. Pero en Picasso es casi imposible porque él necesitaba de las mujeres para poder plasmar en sus cuadros el verdadero pilar de su mundo. Ella es como el referente, que le lleva a cuestionarse de cierto modo la realidad, los convencionalismos, la tradición, el mismo objeto del cuadro, la misma mujer como enigmática, la imagen del cuerpo e incluso la relación pintor-modelo. Ella es, en realidad, el motivo narrativo de su obra.

Se sabe que en cada ocasión que posó una mujer para sus obras, Picasso supo plasmarlas delicadamente sensuales, o, profundamente carnales. Algunas veces las presentó temperamentales o serenas, pero indiferentemente a la forma cómo fueron retratadas muchas de estas mujeres, que se ligaron sentimentalmente con él, fueron muy preparadas e inteligentes; no se limitaron a posar sino que a través de su mirada, influyeron en el trabajo del pintor. Adoptaron un papel activo en su creación artística.

Picasso, siempre aceptó que la mujer era estimulante para el desarrollo de su arte. No hubo un tema artístico que obsesionara e inquietara tanto a este pintor, a lo largo de su larga carrera y su vida, como la mujer. Además, se dejó fascinar por la compleja, polisémica relación que existe entre el artista y su modelo; un tema con el que Picasso delimitó el territorio que le pertenecía como pintor.

Las mujeres que él quería lo amaban, se dejaban seducir y se contagiaban de la desmesura del artista. Él las amaba y luego las despreciaba con la misma compulsión que tenía para dibujarlas, pintarlas y esculpirlas. Las dejaba como cualquier vidrio fracturado en mil pedazos; como si sólo fueran un lienzo que se necesita cambiar para comenzar una nueva representación.

De ellas tomaba para sus representaciones sólo lo que le gustaba. De una, los ojos grandes en forma de lágrimas, de otra el cuerpo estilizado, los bucles sobre su rostro, el color amarillo de sus cabellos, o su cuello alargado; de esa manera también las fraccionaba en sus cuadros y las volvía a armar a su antojo.

A Fernande Olivier se la considera en realidad como la primera mujer ligada sentimentalmente con Picasso, fue la primera compañera duradera del artista. Su relación comenzó en 1904 y perduró hasta 1912. Según ella, ninguna mujer que Picasso quería se le escapaba porque  todas quedaban, finalmente atrapadas en su lienzo.

Fernande Olivier no solo es importante por ser la primera obsesión y relación seria del artista sino por ser considerada la que más influenció en su técnica, su temática y en el estado anímico del pintor. Gracias a la “Belle Fernande” Picasso dejó la época azul, impregnada de tonos oscuros y temas deprimentes, en la que había permanecido desde comienzos de siglo a partir del suicidio de su amigo Casagemas, quien se quitó la vida por una mujer, al no ser correspondido, y gracias a su influencia cambia los tonos grises de su paleta para pasar a la época rosa llena de colores y alegría con tonos cálidos con líneas suaves y delicadas.

Pero la mayor contribución de Fernande está en haberlo acompañado  en su viaje a Gósol un pueblo catalán donde Picasso comenzó a pintar una serie de cuadros con las figuras primitivas que admiró en aquel lugar. Posteriormente luego de una visita al Museo de Etnología donde el artista se siente fuertemente impresionado por las esculturas africanas expuestas y el descubrimiento del arte ibérico y griego fue lo que contribuyó a que Picasso diera, en la historia del arte, el mayor cambio desde Giotto y los Renacentistas.

Fernande Olivier de alguna manera contribuye con este descubrimiento y con el compromiso que adquiere Picasso con el cubismo; está ligada a él con el prestigio que adquiriría a partir de ese momento Picasso en el arte. Por otro lado, Fernande Olivier es la única de sus mujeres que conoció al pintor antes de que fuera famoso. Es más, ella era ya una reconocida, respetada modelo de vanguardia que posaba desnuda para los más prestigiosos artistas franceses cuando conoce a Picasso quien apenas subsistía en un viejo edificio llamado “Bateau_ Lavoir” y buscaba abrirse camino en el arte. Picasso va perdiendo interés en Fernande a medida que le va llegando la fama. Ella le recuerda sus duros comienzos que él intenta olvidar. Pero gracias a su amor por Fernande nos quedan toda la serie de trabajos realizados en la época rosa, que cuenta básicamente con pinturas y esculturas denominadas “Cabeza de mujer”. A partir de esa época rosa, Picasso comienza a sentirse suficientemente maduro y dueño de sus facultades. Fascinado por el dominio de la luz, del espacio y la forma, se obsesiona por hallar una nueva manera estable capaz de representar la cambiante realidad del mundo. Fernande además es uno de los temas de Las señoritas de Avignón, considerada ésta una de su más importante contribución;  no solo porque esta obra cuenta en la lista de las más asombrosas pinturas de la humanidad sino también porque a partir de esta obra Picasso descubre una nueva forma de expresarse; el cubismo.

Picasso a partir de Las señoritas de Avignón cambia la visión estética del mundo y nos muestra lo bello de lo feo. Si en su época azul, sus mujeres tienen volumen, formas corporales y son representadas en ambientes de miseria, soledad o  desamparo. Y en el rosa predominan los colores cálidos y la alegría del circo. A partir de las Señoritas de Avignón, empieza  su período Negro, no por influencia de una mujer sino por el arte africano. Abandona su forma tradicional de expresar a sus mujeres para hacerlo desde la representación espacial. Destruye la representación convencional de profundidad y presenta cuerpos femeninos fragmentados. Toma de su estilo anterior la importancia de los ojos, la mirada, pero maximiza su efecto.

Las Señoritas de Avignón, es la representación de un espectáculo erótico. Se deduce por el cuadro que esas mujeres, en un burdel, son observadas por un cliente invisible, quien no está en la tela, pero que su presencia se percibe  por la forma de mirar de las modelos. Puede ser producto también de la influencia que imprime la misma mirada del pintor. Pero en definitiva la representación involucra a todos. El espectador del cuadro es un voyeur que observa y mira a todas esas  mujeres que son presentadas como  mercancía; que a su vez son observadas detenidamente por alguien. Hay un propósito en la exposición del cuerpo femenino para un consumo erótico. Nos da a ver. Tiene importancia fundamental las actitudes de las mujeres y la mirada, porque es una mirada erótica que involucra a los participantes. Siguiendo un concepto de Lacan se podría decir que el ojo, la mirada erótica, es el agujero a través del cual el cliente observa la mercadería y el espectador del cuadro a su vez  mira a las mujeres que se muestran como objetos eróticos.

A partir de Las Señoritas de Avignón la representación de la mujer  se degrada. El artista muestra su poder al distorsionar el cuerpo femenino con formas rudas. Hay una clara decadencia del cuerpo de la mujer, Picasso la distancia del canon de belleza y la muestra en pedazos desunidos. Pero éstas son imágenes diferentes, objetos nuevos y nuevas perspectivas de representar el mundo. El artista hiere la sensibilidad del espectador con sus mujeres planas, simplificadas, geométricas, llena de ángulos y distorsionadas. Las presenta no como la ven sus ojos sino como la capta su mente, desde todos los ángulos. Por eso frente a la perspectiva central lo representado aparece como un objeto que se reproduce desde varios ángulos visuales al mismo tiempo. Sucede lo que Lacan llamala Fenomenologíade la percepción. Lo menciona en el Seminario 11. No veo más que desde un punto de vista, pero en mi existencia soy mirado desde todas partes. Somos seres mirados.

La geometría radical que utiliza Picasso impone su propia ley a las proporciones naturales deformando los cuerpos a su capricho, por otra parte hace que las figuras se fusionen con el fondo también fragmentado. En el cuadro, no trata de apaciguar el deseo del espectador sino de conmocionarlo, incluso de vincularlo, de poner al espectador en situación de sentirse cuestionado. Mirado por el cuadro. No trata de que el espectador encuentre sentido al cuadro, prefiere que se deje invadir por este.

¿Qué es la pintura? Se pregunta Lacan. Es el centro de la mirada- se responde – En el cuadro el artista quiere ser sujeto. Y la pintura se distingue de todos las demás artes en tanto que, en el cuadro, es como sujeto, es “como mirada” que el artista quiere imponerse.

Y el arte, según Picasso, es una manera de someter al poder, imponiendo una forma tanto a nuestros temores como a nuestros deseos.

 Picasso, con su trabajo, Da a Ver imágenes nuevas, perspectivas diferentes. Según él: << no trata simplemente de apaciguar el deseo del espectador sino de conmocionarlo, de vincularlo incluso, de ponerlo en la posición de sentirse cuestionado, mirado por el cuadro, para que se deje invadir por él>>.

No busco, encuentro. Es una frase célebre vertida por Picasso.

Según Lacan “la creatividad implica la destrucción de lo establecido”. Debe haber ruptura. “El artista al crear subvierte porque desafía la autoridad”.

 Según Lacan, el artista convive con el tormento de tener que cruzar una y otra vez el vacío de la ausencia de referente en su arte. Y Picasso al abrir camino para los otros, inventa lo único, lo nuevo. El Cubismo le llega como respuesta a su Deseo insatisfecho de lograr una significación nueva.

 Por ese Deseo insatisfecho, con el que convive, se obliga a crear una imagen que no dependa de la significación imaginaria o simbólica ya existente.

Después de Picasso, sólo Dios

Exclamó Dora Maar a Lacan. Dora Maar, una de las mujeres más retratada por Picasso, la mujer que fue la protagonista de la secuencia del cuadro “Le Chandail Jeune” ola Chaqueta Amarilla y que sirvió de modelo para el Guernica. A ella Picasso la pintó con sombrero, de frente, de lado, con vestido de colores y con la chaqueta amarilla que es la más conocida; con una secuencia de treinta retratos que el artista hizo de ella con ese mismo tema.

La relación de  Dora Maar con Picasso coincidió con los conflictos bélicos; tanto de la guerra civil española como la dela Segundaguerra mundial y al ser ella además de poeta, fotógrafa y pintora fue quien lo fotografió mientras trabajaba en su otra obra famosa el “Guernica”.

Mi “Musa privada”, llamaba el artista a Dora Maar. La imagen que Picasso muestra de Dora Maar en sus obras no desprende sensualidad, ni misterio; en la mayoría de las veces la retrató llorando, dicen que era por sus ojos celestes, en forma de una gruesa lágrima. En su trabajo para la representación “Chaqueta Amarilla” destaca la técnica de la tela de araña, que artista usó imitando el entretejido que producen los arácnidos. Pero ese detalle llamativo, como el color amarillo fuerte de la chaqueta no quitó protagonismo a la modelo.

Hasta ese momento Picasso había estado realizando cuadros figurativos (copias del natural) y otros de carácter abstracto, con la técnica siempre de disociación; en la que impone a la vista lo frontal y lo posterior. Pero durante la relación con Dora Maar decide mezclar ambos estilos y siguiendo los trazos de un dibujo tipo infantil superpone dobles perspectivas. Por eso al observar la secuencia “Chaqueta Amarilla”, con el primer vistazo se entiende que el artista ha retratado a una mujer sentada en una silla, pero no podemos precisar hacia dónde mira. Porque tanto la mujer en su totalidad, como la mirada y los ojos están simultáneamente de perfil y de frente.

Se cuenta que en 1940 con París ocupada por los nazis, un oficial alemán en un registro de la casa de Picasso ante una foto de la representación del Guernica le preguntó si era él quién había hecho eso. No, han sido ustedes le respondió el artista.

Muchos saben e identifican al Guernica sólo por su nombre, pero para contemplar esta obra en su plenitud es fundamental conocer el marco histórico y cultural en el que está inserto, sólo así podremos entenderlo; a pesar de que el tema en una obra de arte es secundario, un pretexto para  su creación; en ella realmente importa la maestría, o la perfección de la técnica con la que fue elaborada.

Así como Fernande Olivier fue el pilar en los inicios de la carrera del artista para el descubrimiento de una nueva técnica como el cubismo, así Dora Maar su amante y modelo lo fue en la época de su estancamiento creativo. Dora fue quien le consigue el amplio ático que necesitaba el artista para pintar la obra gigante que le solicitaban. El altillo del edificio, que finalmente fue comprado por el gobierno español que  queda en la calle7 de la rue des Grands- Augustins. Allí donde Balsac había situado el estudio del pintor protagonista de su novela “La obra Maestra desconocida” que Picasso había ilustrado en 1927. Ahí solían también realizarse las reuniones del grupo izquierdista Contre-Attaque” liderado por el surrealista George Bataille.

Estaban en plena guerra civil española, Franco había rechazado los resultados de las elecciones que cinco meses antes llevó a la presidencia a Manuel Azaña y lanzó una rebelión militar uniéndose con los nazis y los fascistas. El gobierno dela República Españolaencarga a Picasso un lienzo para cubrir una pared entera del pabellón español durante la exposición internacional de París de 1937, con el fin de atraer la atención hacia su causa.

El artista en ese entonces se encontraba en un período de parálisis creativa, apenas se dedicaba al collage, o a armar palabras que llamaba poemas, sólo para permanecer en actividad, posiblemente maniatado por su crisis sentimental. Estaba dividido entre tres mujeres: Olga Koklova su esposa, Marie Thérése Walther con quién vivía y madre de su hija Maya y Dora Maar su amante del momento.

Desde enero de ese año estuvo intentando algunas representaciones para el trabajo solicitado, con temas ya trabajados como el “pintor y su modelo” los que eran descartadas de inmediato, hasta que el 26 de abril de ese año sale de su atolladero cuando la coalición de aviación alemana e italiana que apoyaba a Franco aprovecha del conflicto civil español para probar su estrategia de ataque; se avecinaba la guerra y bombardea Guernica. Este primer bombardeo indiscriminado a civiles en suelo europeo inmortalizó el nombre de Guernica. Su destrucción inspiró a Picasso a representar imágenes contra el fascismo; hecho que se amoldaba a la perfección al encargo pendiente.

Este óleo sobre lienzo, de8 metrosde ancho por tres y medio de alto, que cubre toda una pared, a pesar de su título y las circunstancias que inspiraron la representación no tiene ninguna referencia concreta al hecho, ni al bombardeo. No es un cuadro narrativo por sí mismo, sino simbólico, pintado en blanco y negro con algo de azul, como metáfora del horror.

Dora Maar realizó un total de siete fotografías, cada una muestra un estadio diferente de la ejecución del Guernica. Gracias a sus fotografías, los críticos han determinado que la obra se elaboró en seis fases. Sirviéndose de esas mismas fotografías de Dora se puede reproducir el proceso creativo de Picasso. Cada uno de los elementos que lo componen forma un equilibrio complejo e indisoluble, han sido el fruto de numerosos retoques y correcciones, pero ningún de esos elemento que conforma el Guernica significa nada extraído del conjunto.

Guernica tuvo un gran éxito de público y contribuyó en gran medida a sensibilizar a la opinión pública sobre la situación de España. El éxito comunicativo se lo debe a que fue creado recurriendo al lenguaje cubista que era el modo más radical de los varias formas de expresión utilizados por Picasso. De ningún modo, habría podido condensar tanto en tan poco espacio con otro lenguaje que no sea el cubista.

El Guernica no es sólo un objeto de arte, sino una representación que cobra vida propia, porque para muchos de nosotros Guernica en un principio fue una obra difícil de entender, fue tan solo el nombre de un cuadro antes que una ciudad bombardeada. Pero al conocer sus antecedentes Guernica cobra vida y desde ahí interroga, responsabiliza.

Según Lacan << con la guerra hemos descubierto que ya no se enfrenta al hombre con el hombre, sino al hombre con la fatalidad. La obra de arte se torna importante para crear conciencia, responsabilidad y en ese sentido también para modificarla

Picasso nos hizo ver en el Guernica aquella fase inhumana y destructiva en la historia del sujeto moderno, en los horrores de la guerra que siempre es Fratricida. En el Guernica hay seres mutilados, fragmentados que abrieron formas de mirar el mundo contemporáneo. En él están todas las guerras.>>

Según Lacan “el arte escribe por la vía simbólica, se dirige al terreno de los sentidos, es el camino más antiguo para expresarse y producir un goce acotado, enmascarado, donde se presenta la escena de un deseo”, algo que representa al sujeto que lo realizó y que muchas veces, como en Guernica, alcanza para interpretar el dolor de los pueblos sometidos a la violencia en un intento de destruir y aniquilar ideales. En el Guernica lo que no se puede ocultar es el dolor. El dolor se muta en invención pictórica extrayéndole un plus de goce a la contemplación de algo bello que no ignora lo doloroso. Que del dolor se pueda extraer otro goce que no sea solo sufrimiento, es ser creador>>.

El arte de Picasso en el Guernica pareciera querer transmitir un mensaje, pero deja para otros, para aquellos que observan el lienzo, su comprensión y la interpretación de los diferentes momentos históricos. Por suerte la creatividad, el arte y la contemplación, son capaces aunque sea transitoriamente de apaciguar el malestar de la violencia que siempre existió, y al desamparo que acompaña al hombre desde su nacimiento.

La obra de Picasso, Guernica, es capaz de transmitir la desolación y el espanto de la guerra, en sus imágenes todo es pérdida desde las figuras desgarradoras, desarticuladas, hasta el opresivo espacio y la falta de color. El predominio de los grises no da tregua a la mirada que queda atrapada en esa inmensa superficie desbastada, desolada, para dar cuenta de los efectos de la violencia.

Dora Maar contribuyó notablemente en la elaboración del Guernica. Se cuenta que Picasso encontraba tedioso el trazar las pequeñas rayas que aparecen en algunas figuras blancas del Guernica, la mano femenina le dio solución; Dora Maar también pintora hizo ese trabajo.

De las seis personas que aparecen entre los escombros, cuatro son mujeres todas con la boca abierta por su grito de terror, las cuatro son la misma mujer: Dora Maar. Los ojos en forma de una gruesa lágrima de Dora es el preferido de Picasso que le sirve para expresar el sufrimiento femenino. Se lo verá en las cuatro mujeres representadas, en los ojos del toro, y en los del guerrero. Picasso para esta representación renuncia al color, para acentuar el dramatismo, pero al mismo tiempo lo convierte en un cuadro sonoro: los personajes gritan, gesticulan.

Fernande Olivier para curarse del olvido de Picasso recurrió a la escritura. Ella lo abandonó cuando se dio cuenta que había sido reemplazada por otra mujer más joven. Picasso la dejó partir sin ningún medio para subsistir. Veinte años después ella escribiría ciertos recuerdos de su relación con el artista. Picasso le pagó para que no siguiera publicando lo pendiente. Y en 1956, enferma subsistiendo con trabajos insignificantes, después de haber sido la modelo de artistas más  cotizada de París, logró que Picasso le pagara una pensión a cambio de su promesa de no publicar nada alusivo a su relación. Falleció en 1966 y Picasso en 1973. Por su lado Dora Maar, luego de exclamar ante Lacan: Después de Dios, sólo Picasso, Lacan fue quien la ayudó a soportar su situación de mujer abandonada por el pintor, nunca logró recuperarse, permaneció mucho tiempo internada en alguna clínica, entró en una etapa mística, se olvidó que era poeta, pintora o fotógrafa, se retiró del mundo y se encerró en su departamento de París. Sobrevivió un cuarto de siglo a Picasso. Murió en1997 a los noventa años.

 

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